Maxime Prangé—Voir, se souvenir et façonner la lumière

Qu’est-ce que le réel ? Au-delà de la lumière, ce qui me fascine et m’intrigue c’est son pouvoir de révélation du monde qui nous entoure, et avec, tous les processus physiques qui entrent en jeu. J’aime beaucoup cela en particulier, la compréhension scientifique de la lumière, pour ce qu’elle me permet de dépasser la fascination. Je me suis très tôt questionné sur la perception que chacun a des couleurs et comment nous en affirmons une compréhension collective alors que leur perception est purement subjective. Le fait d’avoir cristalisé ce questionnement du réel sur le rôle de la couleur m’a conduit à étudier le visible plutôt que d’autres espaces sensoriels.

Tout est parti d’une expérience optique consistant à générer des paysages horizontaux comme des peintures de Rothko, directement avec l’appareil photo. En les découvrant, en les parcourant, un rapprochement assez évident s’est fait avec un projet de paravent lumineux et dynamique en washi que je développais avec des fabricant de papier installé en France et formés au Japon.

Je me suis intéressé davantage au mobilier et à l’architecture traditionnel japonaise dans laquelle s’incrit ce papier washi. Cela a donné une première pièce, Indigence, puis les Torii et les Seuil, chaque fois inspiré par un objet ou élément en particulier de cette culture.

C’est une construction très organique, faite de coïncidences et d’heureuses rencontres. Mais rien n’est dû au hasard, il y a toujours ce fil conducteur des sentiments lumineux pour aller vers tel ou tel choix.

La lumière n’a pas qu’une fonction éclairante de nuit, tout comme le luminaire n’est pas qu’un objet sculptural de jour. De la même façon que la lumière naturelle (le soleil, la lune, les étoiles, etc..) révèle un paysage différent à chaque instant du jour et de la nuit, les Torii évoluent lentement dans le temps grâce à cette transition des couleurs entre lumière extérieure et intérieur. C’est une manière de les rendre plus vivante et de les inscrire dans le paysage du quotidien.

Je ne peux que partir de ma perception pour étudier le réel et le comprendre. Même avec une connaissance profonde du Japon, elle serait toujours teintée par mon imaginaire et ma culture. Je choisis de fait de ne pas aller vers la littéralité ou la reproduction mais de raconter cette rencontre personnelle.

L’objet en lui-même résonne avec le Japon sans prétendre lui ressembler, car c’est un mélange d’évocation. Quant aux paysages que j’inscris dans mes créations, ces sentiments lumineux sont certes les miens ; pour autant, par leur abstraction, chacun s’y projette avec sa propre histoire et son imaginaire.

Ce que l’on peut établir par mon processus de création, c’est que je fais de la photographie par le design, en créant des objets qui projettent une écriture de lumière. La question de l’outil est intrinsèque à ma pratique. Chaque outil ET savoir-faire associé que je manipule ou que je fabrique vise à produire une écriture de lumière. Et chacun est propre a une collection. Pour Washi No Akari j’utilise l’aérographe en association avec un tour à bois modifié pour que le papier soit mis en rotation très rapide.

La recherche artistique que je mène sur l’influence culturelle de la lumière est un projet sur le temps très long et un espace d’apprentissage sans fin. Cela me donne un objectif lointain et rassurant pour générer une œuvre sensible. Ce qui me stimule véritablement, c’est de travailler ainsi à transmettre un regard global sur la lumière pour apporter une dose d’imaginaire et de sensible dans le quotidien de chacun.